Sabato 14 (ore 21:00) e domenica 15 aprile (ore 18:00), presso il Nuovo Teatro Sancarluccio si terrà A-Medeo di Marina Cioppa e Michele Brasilio con Stefania Remino e Antimo Navarra per la regia di Michele Brasilio.

SINOSSI:
L’opera viaggia attraverso lo studio di alcuni personaggi di Eduardo De Filippo; in particolar modo concentrandosi sulla figura dei figli. Partendo dal concetto che un attore quando sale sul palcoscenico “uccide” la persona che è per far vivere un personaggio che non esiste se non esclusivamente sulla scena. La volontà dell’opera è dunque quella di rivendicare la paternità artistica del maestro. I lavori di De Filippo si innestano su un gioco fatto di luci e immagini che riescono a dare voce ai silenzi. L’autore si serve così di commedie quali “Mia famiglia”, “ Filumena Marturano”, “Bene mio, core mio”, “Gennareniello” , “Sabato, domenica e lunedì”, “L’abito nuovo”, “Napoli milionaria”, “Natale in Casa Cupiello” in cui la presenza dei figli è determinante per lo svolgimento dell’opera stessa e il riconoscimento degli altri personaggi. La modernità degli anni 2000 ha portato a numerosi cambiamenti immaginabili, ma nonostante questo per tutte le madri “i figli sò figl e sono tutti uguali”. L’autore seppur giovane entrando in punta di piedi ha voluto così analizzare quella che è la raffinata e forse ineguagliabile drammaturgia di Eduardo immaginando di essere lui stesso un suo figlio e cambiando così la prospettiva di scrittura che è quella di un figlio che osserva, analizza e forse arriva a comprendere la figura del padre, spesso fatta di errori e mancanze, piuttosto che l’inverso. E’ un testo particolare, introspettivo, che volutamente ha un finale aperto; lo spettatore deve sentirsi libero di immedesimarsi o meno nella figura di un genitore quanto di un figlio, e di odiare quanto comprendere certe scelte che inevitabilmente rientrano in una soggettività e una sfera intima in cui l’autore non vuole , non può entrare fino in fondo. La scelta degli attori non è casuale si è volutamente pensato a due giovani artisti la cui caratteristica primaria è la passionalità e la naturalezza scenica che, secondo l’autore e il regista, è fondamentale per un testo come questo. Il testo è originale. (VulìeTeatro)

NOTE DI REGIA: Abbiamo preso in esame i figli nelle opere di eduardo e il progetto era quello di farli essere protagonisti, di dar loro il fiato che avrebbero voluto, forse. Il testo, che inevitabilmente si avvale di citazioni eduardiane, cerca di mantenere uno sguardo  contemporaneo in cui reale e surreale si alternano e quasi si confondono. La regia cerca di vivere i pensieri o forse solo di rievocarli.(Michele Brasilio)

NOTE D’AUTORE: Tutto gira intorno alla figura del padre che, seppur assente, è però fondamentale al punto che gli attori che interpretano i personaggi di Eduardo ne richiedono la presenza esplicandola come bisogno nonché come necessità di riconoscimento paterno. Eduardo disse: “il teatro è gelo, così si fa e così l’ho fatto: è cresciuto mio figlio e non me ne sono accorto, per fortuna è cresciuto bene”. È di questa attenzione che i due figli nella pièce hanno bisogno, è questo diritto che  due attori rivendicano.   I valori forti come quelli della famiglia e del legame di sangue tra figli e genitori è qualcosa che nemmeno il tempo e l’evolversi della società può mutare. (Marina Cioppa)

Cenni biografici

VulìeTeatro è un’Associazione culturale che produce spettacoli teatrali di nuova drammaturgia e teatro contemporaneo.  VulìeTeatro produce testi originali.

Michele Brasilio da diversi anni è autore di cinema e teatro. Si occupa di critica teatrale da due anni, scrivendo su testate che si occupano di spettacolo. Da sette anni lavora come attore e aiuto regia presso Officinateatro di San Leucio. È regista teatrale e cinematografico.  Contemporaneamente è stato scelto per la partecipazione a diversi stage teatrali, alcuni dei quali con Mimmo Borrelli, Antonello Todisco, Michele Pagano. Ha frequentato, inoltre, incontri teatrali organizzati da Romeo Castellucci, Antonio Latella, Maniaci D’Amore, Carullo Minasi. Ha preso parte ad uno stage con Walter Manfré.

Ha frequentato il workshop “Corpi scritti” con Frosini/Timpano.  <<Il teatro è pronto a far resuscitare qualcosa di vivo>>.

 Marina Cioppa scrive da diversi anni al servizio del teatro e del cinema, spaziando tra la lingua vernacolare napoletana (di solito si tratta di poesie) e la lingua italiana di nuova drammaturgia. Si occupa di giornalismo e critica teatrale scrivendo per diverse testate nazionali e regionali. Conduce una trasmissione radio dal titolo I Bastardi di Radio Siani, su Radio Siani. Dopo due laboratori teatrali nel territorio campano, iniziati ancora dodicenne, si diploma attrice-doppiatrice presso la “Voice-Art Dubbing” di Roma, con Dante Biagioni, Nino D’Agata, Anna Masullo, Riccardo Cascadan. Fonda VulìeTeatro con Michele Brasilio e scrive testi per il teatro contemporaneo. Ha scritto testi per il festival“Overture”presso  Officinateatro. Ha preso parte ad uno stage con Walter Manfré per il suo teatro della persona.  Ha frequentato il workshop “Corpi scritti” con Frosini/Timpano.

<<in drammaturgia occorre fondamentalmente “osservare bene”, il resto poi si muove da solo e devi solo descriverlo>>.

Una produzione  Do.Te. Teatro

Uno spettacolo di Ciro Fiengo

Sarà in scena allo ZTN, sabato 7 e domenica 8 aprile, e in replica la settimana seguente venerdì 14 e sabato 15 , e infine sabato 21 e domenica 22 aprlie l’adattamento in tre atti dell’opera datata 1745 di Carlo Goldoni “Il Teatro Comico” targato Do.Te Teatro e in collaborazione con Naviganti InVersi, scritto e diretto da Ciro Fiengo.

Attraverso il protagonista del testo, il capocomico Orazio, vero alter ego del commediografo veneziano, Goldoni analizza il ruolo dell’attore, il sentimento del pubblico e le varie sfaccettature del suo nuovo teatro di “carattere”, un teatro fatto di personaggi e di figure più complesse rispetto alle maschere standardizzate che, pur venendo dalla gloriosa tradizione della Commedia dell’Arte, avevano da tempo annoiato il pubblico il pubblico più esigente. Il protagonista non è più l’Orazio settecentesco, maestro misurato e persuaso dal dovere artistico e morale di dare un nuovo teatro al pubblico, ma è un Orazio moderno, comicamente ossessionato dalla povertà di comntenuti di alcuni ambienti (televisivi soprattutto) della comicità contemporanea. La medicina per guarire queste ossessioni è proprio l’idea di mettere in scena con la sua compagnia “Il Teatro Comico” di Carlo Goldoni.

Fiengo con il suo adattamento azzarda un esperimento, portando il capolavoro goldoniano (capolavoro perché immortale) ai giorni nostri. E così opera il passaggio dal  Teatro Comico al Teatro Comico di Carlo Goldoni, strutturando il testo su due livelli: quello della testo del 1745 e quello della storia attuale, intessendo i due piani con un’ironia che si rivela sempre attuale, tanto nel XVIII secolo che nel 2014

CAST:

Ciro Fiengo

Michele Maria Lamberti

Sabrina Augusto

Enrico Postiglione

Stefano Aloschi

Paola Neri

Tommaso Sabia

Alessandro Mostroserio

Adriana D’Agostino

CALENDARIO E ORARIO SPETTACOLI

Sabato 7 aprile, ore 21.00

Domenica 8 aprile, ore 18.30

Sabato 14 aprile, ore 21.00

Domenica 15 aprile,ore 18.30

Sabato 21 aprile, ore 21.00

Domenica 22 aprile ore 18.30

 INFO E PRENOTAZIONI:

Telefonare al numero 3398120927 o inviare una mail all’indirizzo navigantiinversi@gmail.com.

Come tutti gli spettacoli che vanno in scena allo ZTN, l’ingresso è gratuito e l’uscita è a “Cappello”.

Con il “That’s Napoli Live Show”

Dal 7 aprile al 15 luglio nella Chiesa di San Potito il concerto ideato dal maestro Carlo Morelli

Non un coro né un gruppo musicale, ma una vera e propria “filosofia di vita”. Nasce da una idea del maestro Carlo Morelli il “That’s Napoli Live Show” (www.thatsnapoliliveshow.com). «Uno spettacolo che spazia in un repertorio vastissimo – racconta il direttore del coro – accosta tra loro e talvolta fonde, con felice anticonformismo, la canzone napoletana classica con le sonorità del linguaggio pop-dance».

Si andrà da “Tammurriata nera” sulle armonie di “Eye of the tiger” dei Survivor, a “’O surdato ‘nnammurato” su quelle di “Roxanne” dei Police, e ancora “Comme facette mammeta” con “Hit the road jack!” di Ray Charles, “’O Sarracino” su “I will survive” di Gloria Gaynor, fino a “Reginella” tra le note di “I want to break free” dei Queen e “Dancing Queen” degli Abba, e il mash up di “Luna Rossa” con “Mas Que Nada” di Sergio Mendes. In totale 16 brani per un’ora e mezza di spettacolo.

Lo spettacolo, prodotto da Gennaro Finizio e Fortunato Fazio, andrà in scena dal 7 aprile al 15 luglio nella chiesa di San Potito a Napoli (via Salvatore Tommasi, 1-7 – Zona Museo; posto unico 20€), e vede protagonista un organico di circa 22 cantanti e quattro musicisti. Ragazzi e ragazze under 35 di spiccate personalità, voci estremamente diverse l’una dall’altra unite da un unico scopo: diffondere buonumore, energia e positività attraverso la musica.

«L’idea è molto ambiziosa: essere un punto di riferimento dei turisti a Napoli, così come accade a Broadway, essere uno spettacolo permanente 8 mesi all’anno. Ci lavorano tutti i ragazzi contrattualizzati, ragazzi di talento, alcuni dalle periferie della città, gli daremo la possibilità di esprimersi. Per una Napoli che guarda al pop, al rock al jazz, una Napoli moderna, europea».

Un progetto artistico ma anche sociale. «I proventi andranno spesi anche per il progetto di restauro della chiesa di San Potito». Una chiesa che è stata concessa in uso dal Cardinale Crescenzio Sepe per il lavoro nel sociale svolto da Morelli e l’associazione “Ad alta voce”, nella speranza di farla tornare ai fasti di un tempo. «San Potito era chiusa e abbandonata dal terremoto del 1980, era devastata e con l’associazione abbiamo compiuto un enorme lavoro di pulizia e ripristino».

I ragazzi dai 18 ai 35 anni che fossero interessati ad entrare nel coro ed in un percorso formativo gratuito possono inviare la loro candidatura su www.comune.napoli.it/bandonapolicitychoir oppure www.thatsnapoliliveshow.com/#lavora.

Spettacolo itinerante di NarteA

Sabato 7 aprile ore 18.30 e 20.15

Sabato 7 aprile (ore 18.30 e 20.15), a Palazzo Ricca, sede dell’Archivio Storico del Banco di Napoli (via Tribunali 214), torna 84 giorni – Le ombre di Caravaggio, scritto e diretto da Febo Quercia, con Mario Di Fonzo, Annalisa Direttore, Andrea Fiorillo, Matteo Lanzara, Peppe Romano. Lo spettacolo itinerante di NarteA, partendo da una fede di credito ritrovata presso l’Archivio Storico del Banco di Napoli, ricostruisce scenicamente le vicende misteriose legate alla realizzazione di un quarto Caravaggio a Napoli. Per partecipare all’evento è necessaria la prenotazione ai numeri 339 7020849 o 333 3152415. Costo biglietto: 15 euro.
Nel capoluogo partenopeo il pittore dissoluto e chiaccherato per le sue ambigue frequentazioni – amante sia di donne sia di uomini, spavaldo nel guardare in faccia la vita come la morte – incontra un uomo senza scrupoli, il mercante Radolovich, che gli commissiona una Madonna col Bambino in braccio. Testimonianza certa vuole che il quadro di Radolovich sia stato pagato all’artista in anticipo: 200 ducati. Lo attesta una fede di credito ritrovata tra le cedole di pagamento dell’Archivio Storico del Banco di Napoli, che recita: «A Niccolo Radolovich ducati 200 e per esso a Michelangelo Caravaggio, dissero per il prezzo di una cona de pittura che l’adda fare et consignare finita per tutto dicembre prossimo venturo, di altezza palmi 13 e 2/3 et larghezza di palmi 8 e 1/2 con le figure cioè di sopra, l’immagine della Madonna col Bambino in braccio, cinta di cori d’angeli et di sotto San Domenico et San Francesco nel mezzo abbracciati insieme dalla man dritta San Niccolo e dalla man manca San Vito»

Della Madonna col Bambino in braccio non è stata però rinvenuta alcuna traccia a Napoli. Al temibile Radolovich, l’uomo che tenta di rubare l’anima al grande artista imponendogli la commissione di un quadro il cui soggetto considera mediocre, Caravaggio oppone tutta la sua grandezza. Che cosa accadde, dunque, tra il tormentato Merisi, capace di scrutare tra le profondità e gli abissi dello spirito umano e l’avido mercante? Tante le ipotesi emerse lungo il corso della storia: si sostiene che il quadro non sia mai stato realizzato o che sia entrato nella composizione delle Sette opere della Misericordia. Incompiuto o portato a termine da altra mano, le dicerie si rincorrono giungendo fino a Vienna, dove una Madonna del Rosario sembra incarnare esattamente le caratteristiche della commissione di Radolovich.

Come in un giallo storico, Febo Quercia ricostruisce la vicenda, muovendosi tra testimonianze scritte e le ombre di un uomo tormentato, che ha fatto dei suoi demoni fulgida bellezza, traendo ombre dalla luce e luce dalle sue stesse tenebre interiori.

Da giovedì 5 a domenica 8 aprile a Napoli

Da giovedì 5 a domenica 8 aprile(giovedì, venerdì e sabato ore 21:00 – domenica ore 18:00), presso il Nuovo Teatro Sancarluccio di Napoli, si terrà lo spettacolo “Scarrafunera” di Cristian Izzo interpretato da Roberto Azzurro che ne cura anche la regia.

Note di regia

Siamo tutti ancora un po’ animali. Siamo tutti un po’ esseri umani. Da questa riflessione parto, dopo aver interpretato alcuni esseri umani che sembrano stare al di sopra di altri esseri umani, alcuni esseri umani speciali insomma speciali – Pier Paolo Pasolini, Oscar Wilde, Boni de Castellane – e dunque stavolta divento lo “scarrafone”.

E finalmente, senza ricorrere al favoloso Gregor Samsa di Kafka, eccone un altro, senza nome, ma fatto di versi. E, nell’intento di diventare altro sulla scena – un “altro” apparentemente così lontano da noi – quando ho “incontrato” Scarrafunera di Cristian Izzo, mi sono reso conto che poi così tanto lontano non ero.

Infatti lui stesso dice: Una scarrafunera è un nido di scarafaggi. Ed è qui che rifletto su una somiglianza naturale tra l’uomo e lo “scarrafone”, che non ha nulla a che vedere con i ben noti cliché riguardanti lo schifo, il ribrezzo provocati da questo antipatico essere vivente e più vicina a quanto detto da Joyce in “Dubliners”, o da Dickens in “Hard Times”.

L’essere umano, come lo scarrafone, non si percepisce come componente di una collettività, ma si concepisce come principio e fine di un Universo a sé stante, ed in questo continuo affermarsi e prevaricarsi di “ego” ipertrofici crea un movimento spastico, violento, convulso e continuo, pur restando sempre immobile, nello stesso punto.

Una pesante immobilità, una irrisolutezza nevrotica, che sembra entrata nella quotidianità, di chi s’illude di conquistare il Mondo, rubando la mela del vicino, mentre lui non è in casa, perché occupato a rubare un’altra mela, ad un altro vicino: magari, proprio a lui.

Certo, dopo la mia terribile esperienza mi risulta più diciamo così impegnativo recitare questo scarrafone che riflette e teorizza sulla vita, sulla condizione animale e umana, e soprattutto la morte. Ma il teatro è affascinante proprio per questo, per il modo che ha di congiungere vite e vite, per la capacità di indagare sulle altrui e sulle proprie esistenze, per quanto riesca ad avvicinarci ad altre dimensioni che risultano poi essere molto più vicine di quanto non sembrassero.

Liberamente ispirato all’opera di Annibale Ruccello

 CON

ILARIA ARRA, RENATO BISOGNI,
GIUSEPPE DI SOMMA, GIULIA MENNA, PASQUALE SOMMELLA

SCENE

SISSI FARINA

REALIZZAZIONE SCENE

SISSI FARINA

COSTUMI

ANNA VERDE

REGIA E ADATTAMENTO

NICOLA LAIETA

Sabato 7 aprile alle ore 20:30 piazzale Vanvitelli, 15 – Volla in provincia di Napoli

Sabato 7 aprile alle ore 20:30 all’Accademia “Giuseppe Verdi” (piazzale Vanvitelli, 15 – Volla in provincia di Napoli), nell’ambito della Rassegna teatrale e musicale Teatro Maria Aprea, l’Associazione Trerrote e l’Associazione Maestri di Strada Onlus presentano “Amaritudo Vitae. Me sfasterio” liberamente ispirato all’opera di Annibale Ruccello.

Lo spettacolo, ad ingresso gratuito, è adattato e diretto da Nicola Laieta e con Ilaria Arra, Renato Bisogni, Giuseppe Di Somma, Giulia Menna, Pasquale Sommella.

“Il testo del monologo “La telefonata” di Annibale Ruccello è stato sostanzialmente modificato con l’inserimento di un personaggio non previsto dall’autore. Nonostante le sue riserve, l’erede di Ruccello ha autorizzato eccezionalmente e per la sola data del 7 aprile 2018 tale modifica nella considerazione della lodevole motivazione sociale ed educativa addotta dall’Associazione Trerrote nel richiedere il permesso di rappresentazione”.

SINOSSI

Nel 1986 Annibale Ruccello registrò alla Siae un “monologo in quattro parti”, riportando il titolo “Mamme” e non “Mamma”, come venne poi intitolato nella versione edita.

Quattro brevi atti unici nei quali la fiaba si trasforma in delirio, cattiveria, insensatezza. Nel primo episodio (“Le fiabe”, non a caso, una rivisitazione del cunto napoletano) Gli eroi di Ruccello appartengono ad una umanità ambigua, ambivalente, sporca e, per certi versi, appunto, eroica perché vinta dalla storia e dal tempo. Sono le tre eroine, tre donne in tre storie tragiche. La “Maria di Carmelo”: vita quotidiana di una donna ospite di un manicomio perché convinta di essere la Madonna, reso con la tesa ruvidità e scabrezza dei suoi deliri antichi e post-moderni insieme, ed un degradato rapporto con le suore. “Mal di denti”, tratto da “Notturno di donne con ospiti”, ovvero una mamma che nella sofferenza temporanea del mal di denti, nel giorno di Venerdì santo, scopre che la figlia Adriana è incinta; le sue considerazioni spaziano dal senso comune di vergogna/rabbia al rifiuto del pensiero di scendere di un gradino sociale (!) imparentandosi con il figlio di un operaio, fino alla tragedia del suicidio della ragazza.

Ed infine, il monologo che chiude l’opera: “La telefonata”. In questo monologo, un’unica, lunga e concettualmente infinita telefonata la Mamma – nel preoccuparsi dei massimi sistemi dell’umanità ovvero telenovelas e gossips – quelle che oggi sarebbero l’umanità in scena delle defilippomaria e barbaradurso e dei verissimo – segue estreme ed allucinanti presenze televisive mischiate a quadretti familiari che ne vogliono imitare i fasti – e mentre fa ciò contemporaneamente bada o meglio strilla ai suoi figli e nipoti, a cui sono stati imposti nomi delle soap-opera allora in voga: Veruska, Morgana, Ursula e Isaura, in una simbolica perdita della tradizione e del rapporto con il proprio territorio fisico, e nell’iniziale transisto verso quello mediale. Qualche anno dopo a Napoli non a caso sarebbero nati tanti Diego (medialità calcistica), come oggi negli anni Dieci, tante Sofie (bimbe della neo-borghesia fintamente sapienziale).

NOTE DI REGIA

C’è una antica parola della teologia morale che mi sembra esprima il sentimento comune alle storie che si incrociano in questo gioco teatrale. Questa parola è “Accidia”, o “Sfasterio” nel napoletano dei nostri tempi.

L’accidia, uno dei sette peccati capitali, colpisce chi ha perso la speranza, e con essa il senso e il respiro del futuro, costringendo le vittime di tale melanconia all’immobilità, alla pura contemplazione del vuoto, all’evasione da se stessi e dal mondo attraverso la “evagatio mentis” (i moromorii del passato) e la “instabilitas proposiri” (la guerriglia umorale praticata con chi le è prossimo)

Senza distinzione generazionale, ne sono affetti i personaggi di questo spettacolo, siano essi i figli confusi, nauseati, alterati da un “troppo” percepibile ma irraggiungibile; siano esse le loro mamme, nere, ansiose, respingenti, evanescenti.

Ci sembrano come uccellini in gabbia, deportati in un altrove sconosciuto, orfani di un armonia perduta tra madre e figlio insieme, unico-corpo natura proteso verso il mondo.

Nicola Laieta

Ingresso libero con prenotazione obbligatoria: 320 21 66 484

 Deportati è la parola preferita da Ruccello per definire i propri personaggi frastornati dai mutamenti socio.economici.